Ρομπότ που ζωγράφιζαν ένα φόρεμα, έπιπλα που μεταμορφώνονταν σε ρούχα. Έξι στιγμές στις οποίες η μόδα απέκτησε τη δύναμη μιας αξέχαστης παράστασης.
Με τις επιδείξεις για την άνοιξη του 2027 να έχουν ολοκληρωθεί, η συζήτηση για όσα αφήνει πίσω της μια σεζόν επιστρέφει αναπόφευκτα μέσα από τις εικόνες της. Στα ρούχα, ασφαλώς και μαζί στον τρόπο με τον οποίο παρουσιάστηκαν: στον χώρο, τη μουσική, την κίνηση, την έκπληξη του φινάλε. Τι κάνει, όμως, μια επίδειξη να παραμένει ζωντανή στη μνήμη για δεκαετίες; Πολύ πριν από τη διάδοση των μέσων κοινωνικής δικτύωσης, σχεδιαστές όπως οι Thierry Mugler, John Galliano και Alexander McQueen αντιμετώπιζαν την πασαρέλα ως σκηνή πάνω στην οποία μπορούσαν να χτίσουν ολόκληρους κόσμους. Αντλούσαν στοιχεία από την όπερα και τον κινηματογράφο, την ιστορία της τέχνης και την επιστημονική φαντασία. Έδιναν στα μοντέλα χαρακτήρα και ρόλο, δημιουργούσαν προσμονή, οδηγούσαν το κοινό προς μια κορύφωση.
Αυτές οι θρυλικές παρουσιάσεις δεν περιορίζονταν στην απλή προβολή ενδυμάτων για την εμπορική σεζόν που ακολουθούσε, προκαλούσαν έντονες αντιδράσεις, αμφισβητούσαν τα πολιτισμικά δεδομένα και καθιέρωναν την πασαρέλα ως την απόλυτη σκηνή καλλιτεχνικής έκφρασης. Η αναδρομή σε αυτά τα ιστορικά αριστουργήματα μας υπενθυμίζει τη μεταμορφωτική, μεθυστική δύναμη μιας πραγματικά σπουδαίας επίδειξης μόδας.
Thierry Mugler, υψηλή ραπτική, 1995: Η υπερβολή ως υψηλή τέχνη
Για την επέτειο των είκοσι χρόνων του οίκου του, ο Thierry Mugler επέλεξε τον χώρο του παρισινού Cirque d’Hiver και οργάνωσε μια γιορτή αντάξια της φαντασίας του. Στην επίδειξη συναντήθηκαν η λάμψη της παλιάς κινηματογραφικής εποχής, ο αισθησιασμός του καμπαρέ και η ψυχρή γοητεία του μέλλοντος. Η ασημένια, ρομποτική πανοπλία που αποκαλύφθηκε κάτω από ένα μακρύ πανωφόρι συμπύκνωνε το φουτουριστικό όραμα του σχεδιαστή. Στην ίδια συλλογή εμφανίστηκε η περίφημη δημιουργία «Birth of Venus», μια αναφορά στην Αφροδίτη του Botticelli. Η σκούρα βελούδινη φούστα άνοιγε γύρω από το σώμα σαν κοχύλι, αποκαλύπτοντας τη ροζ επένδυσή της, ενώ πέρλες και λαμπερές λεπτομέρειες ολοκλήρωναν την εικόνα. Κάθε εμφάνιση είχε τη δική της προσωπικότητα και όλες μαζί συγκροτούσαν έναν κόσμο όπου η μεταμόρφωση αποτελούσε τον βασικό κανόνα.
Givenchy, υψηλή ραπτική, 1998: Το σκοτεινό εργαστήριο του McQueen
Βαθυκόκκινες κουρτίνες και μεγάλα κλουβιά με ζωντανά κοράκια έδιναν τον τόνο στη δεύτερη επίδειξη υψηλής ραπτικής του Alexander McQueen για τον οίκο Givenchy. Η συλλογή «Eclect Dissect» παρουσιάστηκε σε ιατρική σχολή του Παρισιού, με τη συμβολή του σκηνογράφου Simon Costin. Στην πασαρέλα, σκοτσέζικα καρό συναντούσαν ιαπωνικά κιμονό, ισπανικές δαντέλες και αναφορές στη ρωσική παραδοσιακή φορεσιά, σχηματίζοντας ένα παράδοξο μωσαϊκό εποχών και πολιτισμών. Πίσω από αυτή τη συνύπαρξη βρισκόταν μια μακάβρια, επινοημένη ιστορία, όπως μόνο ο McQueen θα μπορούσε να την αποδώσει: ένας χειρουργός ταξίδευε στον κόσμο συλλέγοντας υφάσματα, αντικείμενα και γυναίκες, τις οποίες ανασυνέθετε στο εργαστήριό του. Τα μοντέλα ενσάρκωναν τα φαντάσματά τους. Κρανία ζώων από ρητίνη και ταριχευμένα στοιχεία στα καλύμματα κεφαλής ενίσχυαν την αλλόκοτη ατμόσφαιρα. Η θεατρικότητα γεννιόταν από τη συνάντηση αυτών των ανησυχητικών λεπτομερειών με την περίτεχνη κατασκευή των ενδυμάτων: μια σκοτεινή φαντασία εκτελεσμένη με τη δεξιοτεχνία των εργαστηρίων του οίκου Givenchy.
Christian Dior, υψηλή ραπτική, 1998: Μια βραδιά στην όπερα του Galliano
Η επιβλητική μαρμάρινη σκάλα του Palais Garnier έγινε το ιδανικό σκηνικό για τη συλλογή υψηλής ραπτικής του John Galliano, με μούσα τη μαρκησία Luisa Casati. Η εκκεντρική Ιταλίδα κληρονόμος και προστάτιδα των τεχνών έδωσε στον σχεδιαστή την αφετηρία για μια φαντασμαγορία που έμοιαζε να εκτυλίσσεται σε χορό μεταμφιεσμένων. Τα μοντέλα κατέβαιναν τα σκαλιά με βαριά μπροκάρ, βελούδα, περίτεχνα στολίδια και εντυπωσιακά καλύμματα κεφαλής. Η συλλογή συνέδεε την αισθητική της Αρ Νουβό με πανωφόρια και φορέματα που παρέπεμπαν στη δεκαετία του 1920 και ογκώδεις τουαλέτες με καταβολές στον 19ο αιώνα. Εξώπλατα βελούδινα φορέματα, δαντελένια σύνολα και καπέλα στολισμένα με τριαντάφυλλα συμπλήρωναν αυτή την παρέλαση φανταστικών καλεσμένων. Στο φινάλε, μικροσκοπικές χάρτινες πεταλούδες σε παστέλ αποχρώσεις έπεσαν από ψηλά. Η τελευταία αυτή εικόνα σφράγισε μια επίδειξη στην οποία η αρχιτεκτονική, η κίνηση και το ένδυμα συμμετείχαν στην ίδια, απόλυτα ενορχηστρωμένη φαντασίωση.
Alexander McQueen, άνοιξη/καλοκαίρι, 1999: Το φόρεμα που ολοκληρώθηκε μπροστά στο κοινό
Στο «No. 13», ο McQueen επιφύλαξε για το τέλος μια σκηνή που εξακολουθεί μέχρι και σήμερα να προκαλεί δέος. Η Shalom Harlow ανέβηκε σε μια περιστρεφόμενη πλατφόρμα φορώντας ένα λευκό φόρεμα, σφιγμένο στο ύψος του στήθους με μία δερμάτινη ζώνη. Δύο βιομηχανικοί ρομποτικοί βραχίονες άρχισαν να κινούνται γύρω της και ψέκασαν στη συνέχεια το ύφασμα με μαύρο και κίτρινο χρώμα. Το ένδυμα αποκτούσε την τελική του όψη μπροστά στα μάτια των θεατών. Η Harlow, με εκπαίδευση στο μπαλέτο, ανταποκρινόταν στις κινήσεις των μηχανών με το σώμα της, σε μια αλληλουχία που έμοιαζε άλλοτε με χορό και άλλοτε με αναμέτρηση. Ο McQueen είχε αντλήσει την ιδέα από εγκατάσταση της εικαστικού Rebecca Horn. Στη μαρτυρία της για το Metropolitan Museum of Art, η Harlow περιέγραψε την εμπειρία ως μια σταδιακή απώλεια ελέγχου, καθώς οι μηχανές αναλάμβαναν τη δράση. Αυτή η ένταση ανάμεσα στον μηχανικό σχεδιασμό και στην ανθρώπινη αντίδραση έδωσε στο φινάλε τη συναισθηματική του δύναμη.
Viktor & Rolf, υψηλή ραπτική, 1999: Μια ολόκληρη συλλογή πάνω σε ένα σώμα
Οι Viktor & Rolf συγκέντρωσαν τη δράση της επίδειξης «Russian Doll» σε ένα μόνο μοντέλο. Η Maggie Rizer στάθηκε σε μία περιστρεφόμενη πλατφόρμα και οι δύο σχεδιαστές άρχισαν να την ντύνουν μπροστά στο κοινό, προσθέτοντας διαδοχικά στρώματα ρούχων. Αφετηρία ήταν ένα κοντό φόρεμα από τραχιά λινάτσα, με ξεφτισμένες άκρες. Στο τέλος, η σιλουέτα της είχε διογκωθεί μέσα σε ένα τεράστιο πανωφόρι με λουλούδια. Η αναφορά στη ρωσική ματριόσκα αποκτούσε σταδιακά μια παράδοξη αντιστροφή: κάθε νέο περίβλημα έκανε τη μορφή μεγαλύτερη, ώσπου η γυναίκα έμοιαζε με γλυπτό. Παράλληλα, οι ίδιοι οι δημιουργοί εξέθεταν τη χειρωνακτική εργασία που συνήθως παραμένει στα παρασκήνια. Σε αναδρομή του, το AnOther διάβασε την επίδειξη ως σχόλιο πάνω στον ατέρμονο κύκλο παραγωγής και κατανάλωσης της μόδας. Η συσσώρευση, η μεταμόρφωση και η σχεδόν τελετουργική διαδικασία του ντυσίματος αρκούσαν για να κρατήσουν το κοινό προσηλωμένο
Hussein Chalayan, φθινόπωρο/χειμώνας, 2000: Όταν τα έπιπλα έγιναν ρούχα
Στη σκηνή του Sadler’s Wells στο Λονδίνο, ο Hussein Chalayan έστησε ένα λιτό καθιστικό. Η συλλογή «After Words» εξελίχθηκε γύρω από μια βαθιά ανθρώπινη αγωνία: τι μπορεί να πάρει μαζί του κάποιος όταν αναγκάζεται να εγκαταλείψει το σπίτι του; Ο σχεδιαστής συνέδεσε αργότερα την ιδέα με την εμπειρία εκτοπισμού της οικογένειάς του στην Κύπρο. Τα μοντέλα άρχισαν να αφαιρούν τα καλύμματα των καθισμάτων και να τα φορούν ως ρούχα. Οι καρέκλες διπλώθηκαν και μετατράπηκαν σε βαλίτσες. Στην πιο γνωστή στιγμή της επίδειξης, ένα μοντέλο στάθηκε στο κέντρο ενός στρογγυλού ξύλινου τραπεζιού, το ανασήκωσε και το στερέωσε στη μέση του: το έπιπλο έγινε φούστα και απομακρύνθηκε μαζί του. Ο χώρος άδειαζε σταδιακά, καθώς τα αντικείμενα μεταφέρονταν πάνω στα σώματα. Η τεχνική ευρηματικότητα υπηρετούσε μια ιστορία ξεριζωμού, προσδίδοντας στην έκπληξη το βάρος της απώλειας. Η Vogue έχει επανέλθει στην επίδειξη ως μία από τις καθοριστικές στιγμές του σχεδιαστή, υπενθυμίζοντας τον ενθουσιασμό με τον οποίο είχε υποδεχθεί το φινάλε η κριτικός Plum Sykes.
Εξωτερική φωτογραφία: Στιγμιότυπο από την επίδειξη υψηλής ραπτικής του John Galliano για τον οίκο Christian Dior, 1998. @ Getty Images / Ideal Image